Casper Faassen - Léonard - Vendu

Peinture sérigraphiée Casper Faassen.
Sérigraphie, numérotée et signée de l'artiste au crayon Taille Large 60 cm Hauteur 50 image 30 × 40 cm.
Casper Faassen
(*1975, NL) a grandi à Leyde. C'est là qu'il développe sa passion pour le dessin, la peinture et l'art. Les maîtres célèbres de Leyde – Gerrit Dou (1613-1675), Jan Steen (1625-1679) et Rembrandt van Rijn (1606-1669) – furent sa source d'inspiration. Après avoir quitté le lycée, Faassen a étudié à l'Université d'Amsterdam. Il poursuit ses ambitions artistiques, peint quotidiennement et constitue une œuvre impressionnante. L'influence d'Amedeo Modigliani (1884-1920) dans son œuvre – en particulier ses nus (féminins) – se reflète clairement tant dans le sujet que dans les lignes fortes. Le travail de Faassen se caractérise par son approche continuellement innovante des matériaux, des techniques et des disciplines. En plus de la peinture et des arts graphiques, Faassen consacre une grande partie de son temps à la photographie. Dans son travail photographique on reconnaît les peintres de Leyde qui l'ont inspiré. Ses œuvres emblématiques représentent leurs thèmes classiques du XVIIe siècle tels que les paysages urbains, les vanités et les compositions florales. Un regard sur l'œuvre de Faassen dans son ensemble montre que des thèmes tels que l'éphémère, la beauté et la splendeur féminine constituent la base de son travail. Selon ses propres mots : « La juxtaposition entre l'éternel et le temporaire, la beauté et la décadence, l'apparition et la disparition est mon thème principal. Tous les peintres et photographes ont la capacité de figer le temps et de capturer un instant unique. Je souligne ce moment à travers un élément. du temps - pas nécessairement en utilisant des références littérales à la vanité, mais à travers la manipulation des matériaux. L'utilisation de la craquelure est mon symbole du temps et introduit un élément visuel car il s'agit d'une peinture à l'huile et donc nette, contrairement au reste de l'image floue. . La plus grande partie de la distance est créée par la façon dont la photo a été prise, à travers un support mat. J'imprime l'image sur ce même support mat pour donner une impression supplémentaire de distance. Ce que j'aime aussi dans la craquelure, c'est la texture qu'elle donne la surface ou la peau. L'œuvre devient plus matérielle, plus substantielle, s'orientant vers la peinture plutôt que vers la photographie et encourageant ainsi une manière différente de percevoir l'œuvre. Dans ce langage visuel avec lequel je suis devenu si à l'aise, j'aime explorer différents thèmes. »